Niektóre dzieła sztuki są małe, inne ogromne. Niektóre mają wieki, inne zaledwie dziesięciolecia. Ale łączy je jedno: każdy obraz fascynuje widzów niezwykłymi technikami malarskimi i opowiadanymi przez nie historiami.

Zebraliśmy dziesięć najsłynniejszych obrazów świata, aby zgłębić historię, technikę i tajemnicę kryjącą się za tymi arcydziełami, które od pokoleń fascynują ludzkość.

Wskazówka: Chcesz stworzyć własne arcydzieło, ale nie jesteś gotowy, aby malować odręcznie? Wypróbuj malowanie po numerach! Dzięki naszej kolekcji słynnych obrazów możesz samodzielnie odtworzyć różne arcydzieła Van Gogha i Vermeera.

Mona Lisa autorstwa Leonarda da Vinci

Obraz olejny, który da Vinci namalował na drewnie topolowym na początku XVI wieku, jest jednym z najsłynniejszych na świecie. Do dziś znawcy sztuki spekulują, kim naprawdę była Mona Lisa. Większość uważa, że to Lisa del Giocondo, żona handlarza jedwabiem z Florencji.

Od 1815 roku dzieło wisi w królewskim Pałacu Luwru w Paryżu, gdzie do dziś jest dostępne dla publiczności. Wcześniej zdobiło sypialnię Napoleona Bonaparte – wyobraź sobie, że budzisz się każdego ranka z tym zagadkowym uśmiechem!

Ale największym tematem rozmów pozostaje tajemniczy uśmiech Mony Lisy. W 2008 roku badacze odkryli, że da Vinci zastosował technikę malarską „sfumato”. Sfumato to technika malarska stosowana do tworzenia możliwie najdelikatniejszych przejść, tworząc subtelne rozmycie i cień na jej twarzy. Technika ta polega na nakładaniu wielu cienkich warstw półprzezroczystej farby, tworząc niemal niedostrzegalną gradację między kolorami i tonami.

Sława obrazu eksplodowała po jego kradzieży w 1911 roku przez włoskiego majsterkowicza Vincenzo Peruggia, który uważał, że obraz powinien wrócić do Włoch. Kradzież trafiła na pierwsze strony gazet na całym świecie, a kiedy obraz został odzyskany dwa lata później, stał się najsłynniejszym obrazem na świecie.

Gwiaździsta noc Vincenta van Gogha

Holenderski artysta stworzył w swoim życiu ponad 800 obrazów. Jednym z jego najsłynniejszych jest Gwiaździsta noc. Ten obraz olejny z 1889 roku można teraz podziwiać w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Czy wiesz, że wiry na rozgwieżdżonym niebie reprezentują jedno z najbardziej złożonych zjawisk matematycznych? Turbulencje. Rosyjski naukowiec Kołmogorow dopiero w latach 40. XX wieku opracował model matematyczny do przedstawiania turbulencji. Naukowcy podejrzewają, że van Gogh intuicyjnie wiedział, jak przedstawić turbulencje z wizualną precyzją – co świadczy o jego niezwykłych zdolnościach obserwacyjnych.

Artysta przebywał w zakładzie psychiatrycznym, kiedy tworzył ten i inne obrazy. Zgłosił się do azylu Saint-Paul-de-Mausole w Saint-Rémy-de-Provence po odcięciu lewego ucha. Pomimo swojego niespokojnego stanu, a może właśnie z jego powodu, w tym okresie stworzył jedne ze swoich najbardziej poruszających emocjonalnie i innowacyjnych technicznie dzieł.

Zapoznaj się z naszą kompletną kolekcją Van Gogha, aby samodzielnie odtworzyć jego arcydzieła.

Wybór redaktora: Stwórz własne arcydzieło za pomocą malowania po numerach (lub wybierz Van Gogha lub Vermeera)

Chcesz przeżyć niezapomnianą artystyczną podróż? Wypróbuj nasze zestawy do malowania po numerach dla dorosłych i dzieci:

1. Malowanie po numerach z własnego zdjęcia: przekształcaj swoje osobiste zdjęcia w wyjątkowe płótna do malowania po numerach. Przeżyj na nowo wyjątkowe chwile i dodaj osobisty akcent do swojego wnętrza. Możesz nawet przesłać zdjęcie Mona Lisy i namalować je samodzielnie!
2. Wybieraj spośród różnych motywów: Wybierz piękne zwierzęta, kwiaty i czarujące krajobrazy starannie dobrane dla Ciebie. Odkryj relaksujące korzyści płynące z twórczej ekspresji.

Malowanie po numerach to doskonały sposób na zmniejszenie stresu i pobudzenie kreatywności. Nasze zestawy są starannie skompletowane i zawierają wszystko, czego potrzebujesz, aby zacząć od razu.

Wszystkie obrazy są starannie zapakowane i wysyłane bezpośrednio do Twoich drzwi. Zacznij malować już dziś i ciesz się wieloma zaletami tej pięknej formy sztuki!

Chcesz kontynuować czytanie? Artykuł jest kontynuowany pod obrazkiem. Zacznij zamawiać już teraz, klikając poniższy obrazek

Krzyk Edvarda Muncha

Krzyk norweskiego artysty Edvarda Muncha to w rzeczywistości seria obrazów ekspresjonistycznych. Przedstawiają Oslofjord – fiord w południowej Norwegii – i krzyczącą postać. Malarz najwyraźniej przedstawił siebie w tej udręczonej chwili. Latem 1891 roku krwistoczerwony zachód słońca miał go przerazić podczas spaceru. To doświadczenie skłoniło go do spędzenia dwóch lat na szkicowaniu wersji w różnych stylach, kładąc tym samym podwaliny pod ekspresjonizm.

Munch stworzył cztery wersje Krzyku przy użyciu różnych mediów: dwóch pasteli (1893 i 1895) i dwóch obrazów (1893 i 1910). Wpływ obrazu wykracza daleko poza sztukę piękną – stał się ikoną kultury reprezentującą współczesny niepokój i egzystencjalny lęk.

Jeden z obrazów można zobaczyć w Galerii Narodowej w Oslo. Obie skradzione wersje – jedna w 1994 r., a druga w 2004 r. – zostały ostatecznie odzyskane i zwrócone do muzeum. Wersja pastelowa z 1895 r. została sprzedana na aukcji w 2012 r. za prawie 120 milionów dolarów, co czyni ją jednym z najdroższych sprzedanych obrazów w historii.

Dziewczyna z perłą autorstwa Johannesa Vermeera

Holenderski mistrz namalował swoje najsłynniejsze dzieło w 1665 roku. Dziewczyna z perłą stała się ostatnio „Dziewczyną w centrum uwagi”, gdy zespół naukowców przeanalizował obraz za pomocą najnowocześniejszych skanerów i technik rentgenowskich w Muzeum Mauritshuis. Cel? Według holenderskiej dyrektor muzeum Emily Gordenker chcieli odkryć, jak został namalowany i jakich materiałów użył Vermeer.

Analiza ujawniła fascynujące szczegóły: Vermeer pierwotnie namalował w tle zieloną zasłonę, którą później zamalował ciemnym tłem, które widzimy dzisiaj. „Perła” może wcale nie być perłą – jej brak szczegółowego podświetlenia sugeruje, że może to być polerowane srebro lub cyna.

Kim była dziewczyna pozująca do portretu? Debiut reżyserski Petera Webbera z 2004 roku sugeruje służącą pracującą w domu Vermeera. Jednak ekspert od Vermeera, Benjamin Binstock, twierdzi, że patrzymy na najstarszą córkę Vermeera, Marię. Prawda pozostaje tajemnicą, co dodaje obrazowi uroku. Co myślisz?

Zapoznaj się z naszą kolekcją Vermeera, aby odtworzyć to i inne arcydzieła holenderskiego Złotego Wieku.

Trwałość pamięci Salvadora Dalí

Jakie są sny? Hiszpański malarz Salvador Dalí przedstawia jedną interpretację w swoim światowej sławy arcydziele „Trwałość pamięci”. Opisał ten typ przedstawienia jako ręcznie malowane fotografie snów. Obraz olejny zachwyca zwiedzających Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku od 1934 roku.

Obraz jest wypełniony licznymi symbolami: uważa się, że struktura w centrum obrazu przedstawia autoportret Dalego – zniekształcony profil samego artysty. Mucha i topniejące zegary reprezentują rozkład i płynność czasu. Mrówki, powracający symbol w twórczości Dalego, reprezentują rozkład i dekompozycję.

Dalí twierdził, że miękkie zegarki były inspirowane obserwowaniem topniejącego w słońcu sera Camembert, chociaż to surrealistyczne wyjaśnienie jest prawdopodobnie tak samo senne jak sam obraz. Czy ty też jesteś trochę zdezorientowany, patrząc na to? To jest dokładnie reakcja, którą artysta chciał osiągnąć u widzów – aby skłonić ich do ponownego przemyślenia samej rzeczywistości.

Obraz ma wymiary zaledwie 9½ × 13 cali (24 × 33 cm), co sprawia, że jego monumentalny wpływ na historię sztuki jest jeszcze bardziej niezwykły. To małe płótno wpłynęło na niezliczonych artystów i weszło do kultury popularnej jako ostateczny obraz surrealizmu.

Ostatnia Wieczerza Leonardo da Vinci

Legendarny fresk Leonarda da Vinci można ponownie podziwiać w renesansowym kościele Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Artysta stworzył malowidło ścienne w dawnej jadalni przyległego klasztoru w latach 1494-1498. Po 20 latach renowacji jest ponownie udostępniony publiczności, choć ze względu na konserwację zwiedzanie jest ograniczone do małych grup.

Ale co właściwie Da Vinci podał bohaterom swojego słynnego dzieła? Historycy sztuki i konserwatorzy uważają, że to owoce i ryby – ważne symbole chrześcijańskie. Jedna z teorii sugeruje, że jest to węgorz rzeczny, ponieważ były one powszechne w okolicach Mediolanu, gdy da Vinci malował fresk. Prostota posiłku kontrastuje z dramatycznym momentem emocjonalnym uchwyconym – Jezusem ogłaszającym swoją zdradę.

Innowacyjna technika Da Vinciego okazała się problematyczna dla konserwacji. Zamiast tradycyjnego fresku (malowania na mokrym tynku), eksperymentował z temperą na suchej ścianie, która zaczęła niszczeć jeszcze za jego życia. Pomimo licznych prób renowacji na przestrzeni wieków, dziś widoczne jest tylko około 20% oryginalnej farby.

Stworzenie Adama autorstwa Michała Anioła

Ten fresk jest najstarszy w naszej kolekcji: włoski artysta Michał Anioł stworzył go w latach 1508-1512 na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie. Stworzony w okresie włoskiego renesansu, jest jednym z najsłynniejszych obrazów z tego okresu i jednym z najsłynniejszych wszechczasów.

Szczegół w centrum obrazu – dwa palce wskazujące prawie się stykające – stał się ikonicznym obrazem, inspirując niezliczone parodie i reinterpretacje. Ta przerwa między palcami reprezentuje moment, zanim życie wejdzie w Adama, napięcie między boskością a człowiekiem.

Ostatnie analizy sugerują ukryte znaczenia: czerwony płaszcz otaczający Boga przypomina anatomicznie dokładny ludzki mózg, prawdopodobnie reprezentujący boską świadomość. Michał Anioł, który przeprowadzał sekcje zwłok w celu studiowania anatomii, mógł celowo osadzić tę „tajemnicę”. Obraz wymagał od artysty pracy leżącej na plecach na rusztowaniu przez wiele godzin, co spowodowało poważne dolegliwości fizyczne, które nękały go do końca życia.

Guernica Pabla Picassa

Najsłynniejsze dzieło Picassa i najpotężniejszy antywojenny manifest modernizmu mierzy imponujące 27 metrów kwadratowych (11 stóp × 25,6 stóp). Malarz stworzył je na paryską wystawę światową w 1937 roku w zaledwie dwa tygodnie – zadziwiające osiągnięcie, biorąc pod uwagę jego rozmiar i złożoność.

Obraz przedstawia bombardowanie Guerniki podczas hiszpańskiej wojny domowej. Używając tylko czerni, bieli i różnych odcieni szarości, Picasso stworzył uniwersalny symbol brutalności wojny. fragmentaryczny, kubistyczny styl doskonale oddaje chaos i zniszczenie nowoczesnej wojny.

Kilka lat temu, z okazji 80. rocznicy Guerniki, Muzeum Picassa w Paryżu zorganizowało wystawę poświęconą powstaniu obrazu. Sam obraz jednak nie został na niej uwzględniony. W swoim testamencie Picasso zastrzegł, że obraz powinien wrócić do Hiszpanii dopiero po obaleniu Franco. Obecnie znajduje się w madryckim Museo Reina Sofía i prawdopodobnie nigdy więcej nie opuści Hiszpanii – uważa się go za zbyt delikatny, aby podróżować.

Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte, Georges Seurat

Stworzenie swojego najsłynniejszego dzieła zajęło artyście Georges'owi Seuratowi dwa lata, nakładając kropka po kropce farby na swoje płótno o wymiarach dwa na trzy metry. Obraz ten jest stworzony w stylu pointylistycznym – składającym się z pojedynczych, małych kropek czystego koloru. Niezmieszane kolory tworzą silniejszą jasność niż zmieszane poprzez mieszanie optyczne w oku widza.

Georges Seurat jest uważany za wynalazcę tego stylu i założyciela neoimpresjonizmu. Jego głównym celem była harmonia między kontrastami, kolorami i liniami. Daje to neoimpresjonizmowi precyzyjną technikę, pozostawiając ją otwartą na interpretację. Ruch szybko rozprzestrzenił się po Europie.

Obraz wymagał ponad 3 456 000 kropek farby. Seurat wykonał ponad 60 studiów przygotowawczych, w tym 30 obrazów, przed rozpoczęciem pracy nad ostatecznym dziełem. Ukryte szczegóły obejmują kobietę łowiącą ryby po lewej stronie (niezwykłe w epoce wiktoriańskiej) i małpę na smyczy, być może komentującą pretensje burżuazji.

Matka Whistlera autorstwa Jamesa McNeilla Whistlera

Amerykański artysta James McNeill Whistler spędził swoją karierę artystyczną w Londynie i Paryżu. Podobnie jak Seurat, uczęszczał do prestiżowej École des Beaux-Arts, aby doskonalić swoje umiejętności. Jego prace charakteryzują się klarownością i trzeźwością – w duchu estetyki realistycznej. Przykładem tego jest arcydzieło „Aranżacja w szarości i czerni nr 1: Portret matki artysty” lub po prostu znany jako Matka Whistlera.

Chociaż jego obrazy wyróżniają się czystymi liniami, harmonia kolorów zawsze była najważniejsza dla Jamesa McNeilla Whistlera. Jego wzorami w tym podejściu byli artyści tacy jak Velázquez i Vermeer. Obraz prawie nie został wystawiony – Akademia Królewska początkowo go odrzuciła, akceptując go dopiero wtedy, gdy inny artysta wycofał swoje zgłoszenie.

Obraz stał się amerykańską ikoną po zakupie przez rząd francuski w 1891 roku, czyniąc Whistlera pierwszym amerykańskim artystą, którego prace znalazły się w Luwrze. Podczas Wielkiego Kryzysu podróżował po Ameryce, stając się symbolem macierzyństwa i wartości rodzinnych. Obecnie znajduje się w Musée d'Orsay w Paryżu.

Stwórz własne arcydzieło

Te dziesięć obrazów ukształtowało historię sztuki i nadal inspiruje miliony ludzi na całym świecie. Teraz możesz doświadczyć radości odtwarzania tych arcydzieł samodzielnie dzięki naszym kolekcjom do malowania po numerach:

• Kolekcja Van Gogha - w tym Gwieździsta noc i Słoneczniki
• Kolekcja Vermeera - z Dziewczyną z perłą
• Kolekcja słynnych obrazów - Arcydzieła różnych artystów
• Niestandardowe malowanie po numerach - przekształć dowolny słynny obraz w swój osobisty projekt

Pamiętaj: każdy wielki artysta zaczynał jako początkujący. Te arcydzieła przypominają nam, że sztuka to nie tylko techniczna doskonałość, ale także wyrażanie ludzkich emocji, utrwalanie chwil w czasie i dzielenie się wyjątkowymi perspektywami ze światem. Rozpocznij swoją artystyczną podróż już dziś!

Podziel się swoimi odtworzeniami arcydzieł z #SwynkFamousPaintings - świętujemy każde pociągnięcie pędzla!